«Cómo usar todo el potencial del reverb en tu mezcla» por Nico Parra

Ya sea como productor musical, ingeniero de mezcla o profesor de producción musical y sonido, he podido darme cuenta de que el uso de los efectos de reverberación o “reverb” en la mezcla es uno de los temas más pasados por alto en músicos y nuevos productores e ingenieros de mezcla (y algunas veces no tan nuevos!). Puedo incluirme en este grupo al recordar mis primeros años componiendo y grabando música; como guitarrista, donde agregar reverb a un solo de guitarra hacia que inmediatamente sonara increíble; o como cantante, cuando ponerle un gran reverb a mi voz ocultaba la falta de afinación y aquellos detalles desagradables (o al menos yo me convencía de esto). 

La verdad es que los efectos de reverb son excelentes herramientas estéticas en la música y siempre serán muy importantes elementos creativos para introducir texturas y colores a las pistas. Dicho esto, la reverberación puede cumplir otros roles tan o incluso más importantes sin siquiera pretender ser evidentes para nuestra audiencia. En este articulo intentaremos profundizar un poco más sobre qué es la reverberación, los diferentes tipos y algunas formas de utilizar este efecto a tu favor para lograr sacar el mejor provecho a estas incomprendidas herramientas.

QUE ES LA REVERBERACIÓN?

En palabras simples, la reverberación es la suma de los rebotes de un sonido y sus diferentes frecuencias sobre las superficies de un espacio acústico, que luego son percibidos ya sea por el oído o registrados a través de un micrófono. La reverberación es de cierta manera, el sonido característico de una pieza o espacio y auditivamente nos proporciona una variedad de indicios a cerca de la naturaleza física del espacio en sí.

Las factores del espacio acústico que moldearán el sonido de la reverberación son: Su tamaño, su forma y los materiales de su superficie. A esto hay que sumarle la posición en la que se encuentra el origen del sonido con respecto al oyente. Estos factores determinarán cosas como la duración, la densidad y el color de la reverberación, a demás de qué tan lejos o cerca nos encontramos del origen del sonido. Por ejemplo, el material de las superficies tendrán directa influencia sobre la curva de ecualización del reverb y su forma determinará la difusión y a su vez, su densidad.

Generalmente podemos dividir la reverberación en diferentes etapas:

La Reverberación

El sonido directo es el sonido proveniente de la fuente que llega directamente al oído o micrófono, sin aun rebotar en las superficies. Es el primer sonido en llegar a nuestros oídos y también el que posee mayor amplitud ya que toma el camino más directo desde la fuente hacia el oyente. Podríamos decir que es el sonido “seco” y sin reverberación.

Las primeras reflexiones (early reflections) son los primeros rebotes del sonido que llegan al oído, generalmente tras el primer y único rebote sobre la superficie antes de llegar al oyente. Nos entregan información sobre el tamaño del espacio y la distancia de las superficies.

El tiempo que se encuentra entre el sonido directo y las primeras reflexiones se le denomina pre delay.

La cola del reverb (reverb tail o simplemente “reverb”) son todas las demás reflexiones que continúan rebotando en las diferentes superficies mientras van lentamente perdiendo su energía y amplitud. El tiempo que demora la cola del reverb en llegar a cero se conoce como decay time o tiempo de decaimiento.

LA REVERBERACIÓN EN LA MÚSICA

Cuando pensamos en una interpretación musical en vivo, es difícil separar los diferentes sonidos que escuchamos del ambiente y espacio físico en el que están siendo interpretados. A través de la historia, nuestro cerebro se ha acostumbrado a pensar en la música y sus diferentes componentes en función de su lugar en el espacio y a la distancia y posición que ocupan con respecto al auditor. Los denominados “halls” o salas de conciertos, por ejemplo, están especialmente construidos para interactuar con la música y la audiencia.

En los primeros días del registro musical, cuando aun no existían los métodos de grabación multipista con los que hoy contamos, los ingenieros de grabación utilizaban el posicionamiento de los diferentes músicos frente al micrófono, dentro del espacio acústico, para crear un sentido de espacialidad y profundidad en la grabación dependiendo de su posición en la pieza o “room” (junto con controlar los distintos volúmenes y prioridad de cada instrumento).

Weber Music Hall

Aun con la incorporación del registro multipista, la posición y distancia de los instrumentos y los músicos con respecto a los micrófonos ayudan a crear profundidad en la mezcla. Este concepto de profundidad, junto con la incorporación de la imagen stereo en las grabaciones nos dan la capacidad de utilizar la tridimensionalidad para generar naturalidad y espacialidad a la música grabada, incluso el día de hoy con la incorporación de instrumentos electrónicos carentes de espacio acústico natural (como sintetizadores y drum machines).  

LOS TIPOS DE REVERB

Junto con el desarrollo de las tecnologías en el área del sonido, los ingenieros de mezcla han ido incorporado nuevas técnicas e instrumentos que permiten devolver o integrar reverberación a las pistas luego de su registro, durante el proceso de mezcla. A continuación conoceremos los métodos para recrear los espacios acústicos, utilizados a través de los años.

Los reverb chambers: El reverb natural.

Una de las primeras formas de introducir reverberación a las pistas una vez concluido el proceso de grabación llegó junto con la aparición de la tecnología multipista. Gracias a las pistas de envío de las consolas de mezcla, los ingenieros fueron capaces de enviar copias de las pistas pre-grabadas a través de largos cables conectados a parlantes ubicados en una habitación separada, que muchas veces eran piezas o cámaras (“chambers” en ingles) altamente reverberantes y con mucho carácter acústico (aunque a veces eran simplemente espacios improvisados como baños, cocinas o pasillos). Luego con un micrófono ubicado en esta misma cámara se capturaba el sonido proveniente de los parlantes pero ahora empapados del reverb (wet), para finalmente volver a la consola de audio y así poder incorporarse a las pistas secas (dry) a gusto del ingeniero de mezcla. Esta técnica, y su característico sonido aun se utiliza y algunos estudio clásicos todavía mantienen estos reverb chambers (también conocidos como echo chambers) como parte de su arsenal de efectos.

Echo Chamber de Capitol Records

Los reverb mecánicos: Spring y Plate

Los echo chambers, a pesar de ser una excelente solución eran al mismo tiempo poco accesibles debido al tiempo, dinero y espacio que requerían para su construcción. A demás eran fijos y relativamente inajustables. Esto llevó a la idea de utilizar mecanismos que pudieran recrear artificialmente las cualidades reverberantes de un espacio acústico.

Así nació la idea de introducir spring reverbs o “reverb de resortes” en las grabaciones. Este mecanismo funciona al enviar una señal hacia un estanque cerrado que contiene un transductor que produce una onda de sonido, la cual se propaga a través de resortes metálicos que vibran por un largo tiempo, seguido de otro transductor que recibe el sonido y lo envía de vuelta a un parlante o consola de mezcla. Así logramos generar una cola similar a la de la reverberación natural.

Spring Reverb por dentro

Del mismo modo el plate reverb o “reverb de placa metálica” funciona de una manera similar a la del spring reverb, pero en vez de pasar el sonido a través de resortes, este hace vibrar una gran placa metálica que es capas de generar un sonido bastante similar a la de un espacio acústico. A diferencia de los spring reverb que pueden ser construidos en tanques reducidos en tamaño y costo, los plate reverb necesitan de un dispositivo de gran tamaño y por lo general costoso.

EMT 140 Plate Reverb

Ejemplos de spring reverb pueden ser encontrados hoy en día dentro de amplificadores de guitarra tales como el clásico Fender Twin Reverb y similares. El clásico ejemplo de un plate reverb es el legendario EMT 140, creado en el año 1957 y que puede llegar a costar varios miles de dólares. Cabe mencionar que ambos tipos de reverb mecánico nos ofrecen la capacidad de ajustar sus duraciones y sonoridad por métodos de tensión y apañamiento de sus componentes.

La era digital: La introducción de los reverb digitales

Con la llegada del audio digital, la tecnología de reverberación continuó desarrollándose. En vez de utilizar la física para recrear reverb, los nuevos sistemas de reverberación digital lograron usar algoritmos basados en la física para recrear efectos de reverb precisos y convincentes.

EMT 250 Digital Reverb

La primera maquina de reverb digital comercial fue introducida en el año 1976 por EMT con las primeras unidades del legendario EMT 250 que permitía controlar varios aspectos del efecto, anteriormente inexistentes. A este costoso modelo le siguieron un serie de modelos que hasta el día de hoy son considerados clásicos, tales como el Lexicon 224 y el AMS RMX16, que fueron reduciendo de a poco su tamaño y precio.

Lexicon 224 Digital Reverb

Es junto a esta tecnología que comenzamos a ver nuevos y creativos tipos de reverbs que no necesariamente pretenden acercarse a la realidad, como son los denominados non-linear o reverbs no lineales, que decaen de forma abrupta y que junto con los gated reverbs definieron el sonido de los 80s.  

La tecnología continuo desarrollándose y hoy en día es común ver sus versiones reducidas en pedales de efectos de guitarra y dispositivos multi-efecto.

Del rack al software: Plugins y reverb de convulsión.

Con la llegada de los DAW y los computadores personales, los aparatosos reverb de rack o de piso fueron remplazados por su contraparte basada en software, que hoy en día han pasado a ser la nueva norma (y con los que muchos de nosotros partimos trabajando!). Estos, de la misma forma que sus predecesores utilizan algoritmos para crear o recrear efectos de reverberación. A esto le sumamos nuevas interfaces y representaciones gráficas que nos ayudan a interactuar amigablemente con los diferentes parámetros y modos disponible dentro de estos plugins. De esta manera logramos llegar al sonido deseado con impresionante precisión. 

Es importante destacar que muchas de las unidades y plugins de reverb nos permiten recrear de forma cada vez más fiel, todos los distintos tipos de reverberación mencionados anteriormente en este artículo. Dentro de los ejemplos de marcas que desarrollan este tipo de software hoy en día se encuentran Universal Audio (UAD), Waves, Lexicon, Native Instruments, Valhalla DSP, entre otras.

Universal Audio EMT Classic Reverbs (UAD plug-ins)

Aun más fiel a la realidad se acerca la última tecnología digital para recrear espacios acústicos y clásicas unidades mecánicas y digitales, conocida como convolution reverbs o “reverbs de convulsión”. Estos tipos de software son también conocidos como impulse response reverb o reverbs de “respuesta de impulsos” por la manera en que estos son capaces de tomar muestras de audios que contengan reverberación y utilizar esta respuesta para luego recrear fielmente todas las características del impulso registrado. Con este método, podemos por ejemplo recrear fielmente la reverberación registrada en una iglesia, hall, o estudio especifico. Tal vez incluso podemos registrar la reverberación de un amplificador de guitarra, un efecto antiguo o incluso la de tu propio baño! Ejemplos de este tipo de plugins son el modelo IR1 de Waves, o Altiverb de Audio Ease.

Plug-ins de reverbs de Waves


LA REVERBERACIÓN EN LA MEZCLA

Ahora que conocemos un poco más sobre cómo funciona la reverberación y cuales son los distintos tipos, podemos comenzar a pensar en maneras de cómo utilizarlos en el contexto de nuestra mezcla. Algunos ejemplos de esto son:

Los reverb tipo “Room” o “ambiente”, recreados por ejemplo a través de un reverb de convulsión, pueden ser de gran ayuda para dar coherencia a nuestra mezcla. Si enviamos varios elementos al mismo espacio acústico podemos crear un sentido de profundidad cuya finalidad es la de entregar la percepción de que algunos instrumentos con más efecto se sientan más lejos de nosotros, mientras que otros con menos efecto se sientan mas cerca.

Los reverb tipo plate son especialmente útiles para alargar y dar un toque de grandeza y brillo a pistas como cajas, voces o leads y al mismo tiempo ayudar a que resalten en la mezcla.

Los reverb tipo spring suelen ser utilizados en guitarras eléctricas debido a la clara conexión que históricamente han tenido y por la forma en que ambos interactúan. Sin embargo utilizarlos en pistas como órganos, sintetizadores y plucks puede dar una gran vitalidad y movimiento a este tipo de elementos electrónicos, gracias a su naturaleza rítmica y color particular. 

Los chambers funcionan perfecto en pistas como voces, coros o bronces cuando se precisa de un sonido clásico y elegante, al mismo tiempo entregando grandeza y carácter.

Los reverb digitales que emulan los denominados “halls” tienden a empastar y dar tamaño a elementos clásicos como cuerdas y bronces que nos recuerdan a interpretaciones sinfónicas en contextos en vivo, pero también pueden ayudar a engrandeces pistas como voces, leads, o incluso percusiones.

Las emulaciones de espacios como iglesias (church) pueden entregar grandeza con un tono de misticismo a pistas y estilos que necesiten de largos y magníficos reverbs, que llenen la mezcla con su color y largos tiempos de decaimiento.

Los reverbs non-linear tienden a llevarnos inmediatamente a la época de los 80 y pueden entregar un gran carácter a pistas como percusiones, voces y sintetizadores.

Teniendo en cuenta lo anterior, cabe destacar que no es poco común utilizar más de un reverb en alguna pista determinada. Puedes fácilmente, por ejemplo, utilizar un ambiente para integrar una voz al contexto de la mezcla y al mismo tiempo utilizar un plate para darle carácter y grandeza.

Finalmente y a partir de todo lo mencionado podemos inferir la importancia y utilidad de utilizar los efecto de reverb en pistas auxiliares (también conocidas como pistas de FX o pistas de retorno), ya que de esta manera podemos enviar varios elementos a un mismo efecto, y esto nos permitirá dar mayor coherencia y uniformidad a nuestra mezcla final. Sin embargo, esto no quiere decir que no podamos darle un tono y color especifico de un reverb a pistas individuales a través de inserts, pero es importante tener en cuenta cuando y por qué utilizar cada método, y reflexionar sobre qué es lo que realmente queremos lograr con cada efecto. 

Los efectos de reverberación pueden entregar alma y coherencia a tus mezclas, pueden hacerla brillar y llevarla desde un vacío hacia el mundo real. Pero también es fácil sobre-utilizarla y hacer que la música suenen caótica, sucia y sin sentido. Por eso el entender un poco más sobre este importante aspecto del sonido es un gran paso para obtener el control sobre tus mezclas y poder llevarlas al siguiente nivel. Experimenta, juega y por sobre todo, confía en tus oídos.

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